Gráficos Cavernarios

Hace unos meses os expliqué un truco eficaz pero un tanto engorroso para corregir los “ojos rojos”. Ahora os mostraré una manera mucho más sencilla de obtener un resultado parecido.

Como siempre, lo primero es localizar el problema:


A continuación crearemos una capa nueva sobre el fondo original:



Y la pondremos en modo Color:



A continuación nos aseguraremos de que el color frontal está configurado en negro y seleccionaremos el pincel poniéndole un diámetro igual al de la enrojecida pupila de la imagen. Y pintamos encima. El negro, en modo color, desatura:


Repetimos con el otro ojo y duplicamos esa Capa 1, poniéndola en modo Superponer. A continuación podemos modificar la opacidad de esta nueva capa a nuestro gusto. Et voilà:


Ya sólo queda acoplar la imagen (menú Capa > Acoplar imagen).

Le he quitado la marca y he cambiado la luz.

Esta tarde he sacado una foto a un viejo óleo mío para colgarlo en mi otro blog y cuando lo estaba preparando en Photoshop me he dado cuenta de un detalle: ¡Le faltaba mi firma! Obviamente, eso no se podía colgar así.

Lo he solucionado en un periquete de manera bastante sencilla; claro que, como siempre, puede haber otros métodos igual de buenos y eficaces. Es una de las múltiples bellezas de esta maravillosa herramienta gráfica: su gran ductilidad.

(Una cosa a tener en cuenta es que este método vale para colocar una firma oscura sobre un fondo más claro. Para lo contrario habría que buscar otra manera.)

¿Qué he hecho? Lo primero ha sido coger un rotulador negro un poco mochado y firmar en una hoja en blanco. Luego la he colocado en el escáner.

Y ahora viene lo bueno:

Abro con Photoshop la foto con el óleo que quiero firmar (voy a mostraros detalles para que lo apreciéis mejor):


Luego voy al menú Archivo > Importar y elijo mi escáner. Lo configuro con una resolución muy alta, en este caso 1200 ppp, y tiro para adelante. En otra ventana de Photoshop aparece la imagen de mi firma, que procedo a corregir en su luminosidad de modo que el negro sea negro y el blanco, blanco:


Selecciono toda la imagen de la firma, le doy a copiar, vuelvo a la imagen del cuadro y pego encima, escalando si es necesario (con esa resolución es fácil que sí) y colocando la firma en su lugar:


Acto seguido, cambio el modo de capa de la firma a Multiplicar y ya está:


Sólo resta acoplar y enfocar al gusto (para óleo me gusta el método Margulis).

Bien por Fox, que en unos minutos de dedicación casual ha dado casi en el clavo. Ahí va la muestra que he mencionado en los comentarios de su propia entrada en su blog:

Es un ejercicio; no es que el museo me lo haya encargado (¡ya me gustaría!).

Está basado en un famoso cuadro de Roy Lichtenstein, que está en la exposición, sólo que he cambiado el gruñido del perro para que en vez de Grrrrrrrrrrr!! diga Arrrrrrrrrrrt... :-)

Por cierto, recomiendo la exposición totalmente. Quizá un poco escasa en la parte del siglo XX pero, aún así, estupenda.

Mi símbolo corporativo, je je, es este monograma. La primera versión data de cuando yo era un crío; no recuerdo exactamente cuándo lo diseñé pero debía de tener unos trece años, así que hace bastante más de veinte. Yo hice el rough y mi madre lo realizó en témpera de color cian, con una especie de filete azul que se fundía con el relleno; quedó muy chulo (mi madre era una artista; digo "era" porque sufrió una grave quemadura en la mano de dibujar y no ha vuelto a coger un lápiz más que para hacer la lista de la compra y llevar la contabilidad familiar; una verdadera tragedia).

Esta versión todavía se parece a la primera en la mitad izquierda, aunque yo entonces le puse unas serifas con forma de cabeza de hacha que en esta versión han desaparecido.

Ya me han dicho un par de veces, al ver los tutoriales de Photoshop que he colgado aquí, que las mismas cosas se pueden hacer con un par de clicks en la última versión. Sí, ya lo sé. Siempre hay una última versión que hace más cosas con un par de clicks. Pero la filosofía de estas explicaciones es que las tareas se puedan llevar a cabo con cualquier versión de Photoshop.

Yo tengo en casa instaladas dos versiones diferentes. Tengo la versión 7, que ya es casi una antigualla, y la versión CS3. ¿Qué os creíais, que hago mis trabajos con una antigualla? Pues no. Pero en general sigo utilizando los mismos métodos.

Por ejemplo, las últimas versiones de Photoshop corrigen el ruido ISO, cosa que la versión 7 no hace. Pero la verdad es que no lo hace demasiado bien. Da el pego si no te importa que los píxeles queden un poco machacados, pero si quieres un buen resultado tienes que hacerlo “a la antigua usanza”, en modo LAB, aplicando desenfoque gaussiano sobre cada canal de color.

Si queréis que os explique cómo se hace lo mismo en la última versión del software de turno, me lo decís en los comentarios y contestaré, pero voy a seguir igual.

Antes:


Después:



Otros se entretienen haciendo muebles...

El otro día comenté con un amigo que había un truco bastante bueno para mitigar el ruido ISO de una fotografía digital. En realidad trucos hay varios y están todos bien, pero este que os voy a contar ofrece un resultado bastante bueno con un esfuerzo mínimo. Por supuesto, hay herramientas específicas para lidiar con este problema, pero nosotros usaremos, como siempre, PhotoShop.

Vamos a ver un ejemplo:


Es una foto realizada esta misma mañana, a propósito para esta explicación. Bajé un poco las persianas y desactivé el flash de la cámara para sacar la foto. Las cámaras compactas suelen ajustar automáticamente la sensibilidad, elevándola para captar más luz. Esta suele ser la causa de que aparezca el dichoso ruido ISO en las fotografías realizadas con este tipo de máquinas. Veamos un detalle (pinchad en la imagen para apreciar el ruido como es debido; se abrirá en otra pestaña u otra ventana):


Como veis, se aprecian claramente una especie de gránulos rojizos y verdosos por toda la imagen. Una cosa es que la foto salga con "grano", un ruido prácticamente inevitable en fotografía digital por la propia naturaleza de la captación de las imágenes y los algoritmos de compresión empleados en muchas máquinas, entre otros factores (no vamos a meternos en profundidades de número y tamaño de los fotositos, dither, paletas optimizadas y demás; basta con que tengáis claro que cierto nivel de ruido es normal en fotografía digital). Y otra muy distinta es que salgan colores raros que no pintan nada.

Normalmente este ruido surge en condiciones de luz escasa, o por un ajuste inadecuado de la sensibilidad (ISO), o porque los componentes del sensor CCD, los fotositos, son de un tamaño inadecuado para procesar la imagen en esas condiciones... Hay varios motivos posibles.

Lo que nos importa es cómo minimizar este ruido y para ello hay, como digo, varios métodos útiles, más o menos farragosos. Hace poco aprendí uno muy rápido y eficaz que ha sustituido el que venía utilizando en la mayor parte de los casos (el resultado es idéntico pero el método es más elegante y rápido).

Es muy fácil. Abrimos la foto en PhotoShop y, si lo creemos necesario, ajustamos la luminosidad cambiando los niveles o las curvas, como prefiramos. Para no complicarlo, voy a usar el ajuste de niveles que expliqué en una entrada anterior. Vamos a Imagen > Ajustes > Niveles (o pulsamos Ctrl+L en el teclado, que es lo que hago yo), y ajustamos:





Ahora vamos al truco en si. Primero hay que aplicar un filtro de desenfoque gaussiano:


Naturalmente, antes de nada ponemos el radio al mínimo:


Desenfocamos hasta que los pixeles inadecuadamente coloreados se nos hagan indistinguibles:


Y pulsamos “Aceptar”.


Ahora el segundo y último paso: vamos al menú Editar > Transición de desenfoque gaussiano (o pulsamos Ctrl+Shift+F)...


...y nos sale esta ventanita:


Cambiamos el modo “Normal” por “Color”...


Y aceptamos. Voilà!


Sigue teniendo ruido, por supuesto, pero no es ese ruido tan desagradable de antes.

Antes y después... Mierda de foto:


Niveles:


Reducción de ruido ISO:



Quizá en otra entrada, dependiendo de cómo vaya mi procrastinación, os enseñe cómo reducir un poco el “grano” en si.

El truco, todo hay que decirlo, se debe a dos “monstruos” del PhotoShop, Jim DiVitale y Kevin Ames, dos de los mayores expertos del mundo en el manejo de esta herramienta. Los aplausos, para ellos.

Veo cierta confusión entre los «diseñadores» de cursillo del INEM sobre las marcas o líneas de corte —algo que me parece, sinceramente, incomprensible; ¿tan difícil es de entender?—. Y veo mucha confusión sobre las marcas de plegado, incluso entre presuntos profesionales —algo que ya, directamente, me saca de quicio—. Leo tonterías sobre poner las marcas de corte en K, registro o CMYK (negro-sólo-negro, negro-de-registro, negro-de-cuatricromía) —pocos tienen claro qué diferencia hay entre unos y otros y cómo afecta eso al resultado final—, las de plegado en magenta o cian (?) y cosas así... Y luego he visto en imprentas cosas tremendas como dos líneas de plegado cruzando todo el diseño de un tríptico; una cosa es poner marcas de plegado y otra es parecer idiota.

Hay mucho lío.

Así que voy a hacer una pequeña guía de cómo colocar las marcas de corte y las de plegado. Para empezar, dos definiciones de diccionario, de un diccionario técnico para más señas (sí, uno de esos que los diseñadores de tres al cuarto nunca consultan; prefieren preguntar en foros de Internet donde sólo uno de cada cien usuarios registrados sabe de qué está hablando).

Líneas de corte: Son las líneas que indican la medida del formato acabado (papel). Son las prolongaciones de éstas y son conocidas con el nombre de cantoneras. Pueden ser cerradas cuando las dos líneas se tocan. Las cantoneras abiertas tienen la ventaja de no ser visibles en el formato refilado (cortado a la medida) cuando hay pequeñas variaciones en el corte de la guillotina.

Líneas de plegado o doblado: Son las que indican qué doblado lleva el impreso, y son prolongaciones de éstas fuera del formato refilado. A diferencia de las de corte, las líneas de pliegue son de trazo discontinuo.

Ya las definiciones (del "Diccionario básico del tratamiento de la imagen en preimpresión" de Josep Formentí y Sergi Reverte, que para más INRI está disponible gratuitamente en la red) nos aportan prácticamente toda la información que necesitamos.

A algunos les gusta poner las marcas, todas, «a pedales» (como decía mi primer profesor de diseño), es decir, colocando rayitas aquí y allá en el diseño. Pero sabiendo utilizar bien el software se puede hacer casi todo de manera automática en la salida. Depende de vosotros. Yo voy a explicar una manera de hacerlo «a pedales» —aunque personalmente encuentro este método lento y engorroso— porque me parece que para los principiantes es más sencillo.

Es preferible que las marcas de corte sean siempre abiertas, por sistema (así no nos liamos nosotros ni el guillotinista), con un radio de apertura de tres milímetros:


Este radio de apertura o desplazamiento de tres milímetros es ideal cuando trabajas a sangre, con lo que se hace necesario un sangrado, para el cual suele ser adecuada precisamente esa medida de tres milímetros:


La línea de corte debe tener un grosor de 0,25 pt (da igual si son puntos de pica o Didot porque la diferencia es irrelevante en este caso) y su longitud puede oscilar entre los cinco y los diez milímetros; yo suelo ponerlos de 7 mm (10-3).

Obviamente, hacer esto de manera automática no suele ser posible a nivel casero. Hay herramientas profesionales de salida que permiten ajustar todas las medidas que te puedas imaginar, pero no necesitáis preocuparos por esto, porque con lo que ofrecen CorelDraw y PhotoShop (que es lo que se enseña en los cursos del INEM; en PhotoShop las llaman “marcas de esquina”, por cierto) os va a quedar decente, siempre que lo manejéis correctamente y sepáis distinguir entre el método “manual” y el automático, con todas las diferencias que conllevan ambos entre sí.

En otra entrada veremos el tema de las marcas de plegado y, si sois buenos, veremos algo sobre marcas de hendido y líneas de troquel (die-lines).

Con ese gracioso nombre se da a conocer uno de los servicios para diseñadores bisoños más útiles de la red, dentro del sitio especializado en tipografía digital MyFonts.com

What The Font?! es una estupenda herramienta para principiantes (y no tan principiantes) en el mundo del diseño. Pongamos que ves un rótulo en una revista con una tipografía que te gusta y quieres saber cuál es. O quieres utilizar una fuente especial que has visto en una portada de un libro, pero no sabes cuál es.

What The Font?! te permite subir a su servidor un ficherito, un pequeño jpg con el rótulo en dos colores (es importante simplificar al máximo los colores con que se va a encontrar); le hace un OCR, compara con las fuentes de su base de datos y te muestra las fuentes más parecidas que ha encontrado en ella. Muchas veces da en el clavo. Por ejemplo, tenía esta imagen...



Y después de un pequeño tratamiento subí este fichero:


Está sacado de un libro (Periplo nocturno) de la colección Biblioteca de Ciencia Ficción, de Orbis.

Resultado:



¡Es la Roslyn Gothic LP Bold!

Tomé la muestra de una foto que hice al libro, pues la luz del escáner se refleja en la purpurina y la imagen sale mal. Veamos un ejemplo:


Chungo, ¿eh?

Bueno, tras un poco más de tratamiento, he podido sacar esto:


La imagen no es muy nítida que digamos. Pero eso no es problema:


¡Probadlo! No siempre acierta, ojo; la fuente tiene que estar en su base de datos. Pero os ayudará en más de un apuro.

En 1983, Martin Riat publicó en catalán una obra sobre artes gráficas titulada Tècniques Gràfiques (ISBN 84-86243-00-9) que ahora pone a disposición de los lectores interesados, ampliada y actualizada, en su página web, en formato PDF... ¡y gratis!

Es una obra de divulgación sobre las diferentes técnicas de reproducción gráfica que, como el autor dice, «a pesar de estar escrito para los novatos, creo que puede ayudar a más de un profesional a obtener una vista de conjunto sobre el gran campo de la impresión y de su historia».

Es muy de agradecer la generosidad de Martin Riat, que pone el fruto de su trabajo al alcance de todo el mundo sin esperar nada a cambio. Sólo por esto ya se merece nuestra aprobación. Pero es que, además, según lo poco que he podido hojear esta tarde, es una obra muy completa e interesante. No hay mucha bibliografía disponible sobre estos temas. Para los que, como yo, estamos dando nuestros primeros pasos como profesionales de las artes gráficas, es un privilegio poder acceder a obras de este calibre de manera gratuita.

En la misma web está disponible una versión en alemán.

Este problema es fácil de solucionar con la última versión de PhotoShop (CS2), que trae una herramienta específica para ello; no sólo corrige el rojo sino que permite definir el tamaño de la pupila y el nivel de oscurecimiento de la misma.

Además, muchos programas esconden entre sus funciones un corrector de ojos rojos. Por ejemplo, mi gestor de colecciones fotográficas, ThumbsPlus, por fin disponible en castellano y que da mil vueltas a cualquier otro.

También hay programas diseñados específicamente para solucionar este problema, como el Red Eye Remover.

Pero voy a explicaros cómo hacerlo con cualquier versión de PhotoShop.

Primera fase. Lo primero es localizar el problema...


A continuación hacemos una selección de los iris con la herramienta de selección elíptica:


Luego quitamos lo que sobra con la selección poligonal, apretando Alt para sustraer:

(Repetimos con el otro ojo, por supuesto, cuidando de apretar la tecla Shift [la de las mayúsculas, vaya] para agregar la nueva selección a la anterior.)

Ahora que tenemos la selección hecha, aprovechamos para salvarla como explicamos tiempo atrás: Selección > Salvar selección. Podemos llamarla Iris. Más adelante necesitaremos volver a seleccionarlos y no vamos a repetir todo, ¿verdad?, si basta con cargar la selección que hemos guardado.

Ahora tenemos que sacar el cuadro de Canales; vamos a Ventana > Canales y ahí están los canales:


Seleccionamos el canal Azul (Blue):


Copiamos la selección en el portapapeles (Ctrl C)...

Seleccionamos el canal Rojo (Red):


Y pegamos (Ctrl V):


Para terminar, volvemos a seleccionar el canal RGB, quitamos la selección (Ctrl D) et voilà:


Muchas veces con esto ya basta.

Segunda fase. El paso siguiente puede ser quitar el círculo blanco que haya podido aparecer en las pupilas al rebotar la luz del flash en la retina. Simplemente los seleccionamos, guardamos esa selección (con el nombre Pupilas) y la rellenamos de negro:



Tercera fase. También se le puede dar color. Normalmente no hace falta, pero bueno... A los más puristas les puede molar. Recuperamos la selección en Selección > Cargar selección.

Creamos una nueva capa:



Elegimos un color, rellenamos la selección en la nueva capa:


Y ponemos la capa en modo Color:


Voilà:


El toque de qualité sería, antes de rellenar la selección Iris, cargar la selección Pupilas en modo sustraer. Así la pupila quedaría sin teñir. Pero bueno...

A primera vista todo esto parece un poco difícil y complicado, pero haced la prueba por fases y veréis que es muy sencillo. De todos modos, en la próxima entrada os enseñaré a automatizar ciertas tareas para que os resulte más sencillo aún, gracias a las Acciones (macros de PhotoShop).

Realización de un diseño de Javier S. Aranda:


Las sugerencias de los “clientes” pueden ser valiosas; esta es una evolución del diseño (que incorpora una idea que ya estaba en el original de Aranda pero deseché por manías mías):



Por otra parte, cuantos menos degradados tenga un anagrama, mejor (desde el punto de vista del diseño tradicional, orientado al papel; si es para una web no tienes las mismas limitaciones). Lo tradicional, al diseñar anagramas, es utilizar colores planos:


Luego he vuelto a quitar el filete al logotipo (quedaba un poco guarro):


Dice Lluis que parece del Barça (lo que agravaría la coincidencia con cierto grupo político), así que contraataco con esta versión “patriotera” (al fin y al cabo, estamos en la jerarquía es. de Usenet, ¿no?) que seguramente contribuirá a despejar dudas: :-DD